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CHAMBRE A PART ... - Page 7

  • Dernier concert de la saison 2011-2012

    Ce dimanche, un condensé caractéristique de la programmation de musique de chambre de Chambre à part depuis 5 années. Un grand concert de quatuors à cordes, accompagnés d'instruments moins fréquents, comme la harpe ou la flûte. Joseph Haydn, Franz Schubert et Jean Françaix pour des voyages divers. Lisez ci-dessous le programme détaillé préparé par Paul Mayes.

    Oui cinq ans et plus de 80 concerts le dimanche à Lille. Une aventure à laquelle vous participez fidèle public et public fervent. Merci et la meilleure façon de vous le dire est encore de continuer...

    La prochaine et 6e saison débutera le 30 septembre, puis le 14 octobre, 10-11 novembre (un week-end à réserver)... tous les détails sur le site de Chambre à part en juillet.

    Dimanche 3 juin à 16h à l'Auditorium du Palais des Beaux-Arts de Lille,

    Franz Schubert  Quatuor à cordes en ré majeur, D.94
    Schubert arr. Françaix  4 Moments musicaux et Impromptus arrangés pour flûte, harpe et trio à cordes
    Jean Françaix  Quatuor à cordes
    Joseph Haydn  Quatuor à cordes op.76 no4, “Lever de soleil”

    Céline Haquette  harpe          Amélie Douay  flûte
    Alexandre Diaconu  violon     Paul Mayes  violon
    Dominique Huybrechts alto    Emilie Stahl  violoncelle

    tarif 12€ le concert, tarif réduit 6€ pour les demandeurs d'emploi et 12-25 ans

    réservations : lesamischambreapart@orange.fr ou +33 607 626 125

    billetterie au sous-sol directement à l'entrée de l'auditorium

    venez dimanche pour finir la saison en beautés

    Ambre Chapart

     

    Franz Schubert.jpgUne enfance de choriste, d’altiste, de violoniste et de pianiste façonnent l’esprit de Franz Schubert dans une société viennoise dont la bourgeoisie ne peut vivre sans ses Haus musike familiales. Le sens du cantabile, de la voix, dominent les quinze quatuors, et l’infinie variété des climats et des couleurs font surgir, pages après pages, la vision d’un homme fragile dont le pressentiment d’une fin proche attise la valeur testamentaire de cette intégrale. On ignore tout des circonstances entourant la composition du Quatuor n° 7 en ré majeur (D. 94); il fut achevé en 1814, mais peut-être esquissé dès les années 1811-12. Seule une infime partie des œuvres de Schubert fut publiée de son vivant (un seul des quatuors à cordes). L’histoire des manuscrits posthumes est extrêmement difficile à débrouiller: nombre d’entre eux restèrent des dizaines d’années livrés à la poussière sur les rayons des héritiers et des éditeurs, d’autres passèrent par des voies obscures de collectionneur en collectionneur pour devenir la propriété d’institutions publiques. Le Quatuor en ré majeur offre un bon exemple de ces cheminements: de la possession de Ferdinand Schubert, frère de Franz et légataire principal des œuvres posthumes, il passa en 1857 entre les mains de Franz Xaver Petter à Vienne, vers 1866 entre celles d’un certain professeur Wagener de Marbourg puis devint la propriété d'Alfred Wotquenne, à Bruxelles, avant d’arriver enfin, après avoir fait étape chez le libraire musical berlinois Leo Liepmannssohn, à la Bibliothèque Municipale de Vienne (1905).
    L’estimation de la valeur musicale des premiers quatuors à cordes de Schubert est des plus variées chez les divers spécialistes schubertiens ; là encore ce quatuor constitue un excellent exemple. On a dénoncé, en effet, la structure peu cohérente de son premier mouvement, Allegro, et déploré le caractère quasi improvisé de son développement. Par contre, d’après Walter et Paula Rehberg : “La forme s’est assouplie et l’harmonie infiniment diversifiée au profit d’une langue musicale plus libre, plus riche de fantaisie. Le développement offre, au sein de quelques mesures seulement, d’audacieuses digressions parcourant les diverses tonalités. Le thème de cinq mesures (!) du second mouvement (Andante con moto), une merveilleuse inspiration, est du plus pur Schubert.” Le Menuetto suivant (Allegro en ré majeur) n’est pas sans présenter une affinité avec le trio du Scherzo de la Deuxième Symphonie de Beethoven, alors que le trio (en si bémol majeur) est une sorte de Landier plus léger et souriant, avec son thème chromatique introduit par l’alto. Le Presto final réaffirme le ton de ré majeur : c’est un rondo à 2/4, d’une vitalité haydnienne, concluant agréablement cette partition.

    L’unique quatuor à cordes de Jean Françaix, écrite en 1934, est une musique virtuose qui s’inscrit dans la tradition toute classique des divertimenti et sérénades dont la clarté du texte musical laisse à Jean Françaix 4.jpgl’auditeur le plaisir d’entendre chaque voix, ainsi que leur jeu d’ensemble autour des thèmes souvent brèves et efficaces. Son but est, tout à tour, de réjouir et d’émouvoir, sans que les subtilités d’écriture ne puissent se faire oublier.
    Dédié à ses parents, et indirectement à sa future épouse, ce quatuor résume les espoirs qu’y mettait le compositeur: “J’avais vingt-deux ans, j’étais extrêmement gai ... mais je commençais à être amoureux. C’est pourquoi ce quatuor oscille entre l’humour et la tendresse. Je forme le vœu qu’il n’ait point vieilli, car plus je vieillis, plus je chéris l’humour et l’amour”. Et encore: “Le Quatuor à cordes est peut-être la formule la plus noble de la musique. D’abord parce que la famille des instruments à cordes est la base de notre art. Par ces temps de saxophones, [que le compositeur a pourtant plus d’une fois servi dans son œuvre] de guitares électriques et de synthétiseur, il n’est pas inutile de le rappeler. Mais pour le compositeur, il est très difficile à manier. Aucune tricherie ne lui est possible ... Face au quatuor à cordes, le compositeur doit payer cash, trouver de beaux thèmes et savoir les développer.”
    Ce quatuor, qui figure donc parmi ses premières compositions, a valu à Jean Françaix le prix de la musique de chambre de Marseille et a été créé par le quatuor Calvet.


    Joseph Haydn.jpgLe quatuor à cordes en si bémol majeur op.76 no4 de Joseph Haydn, dit “Lever de soleil”, tire son surnom (originaire d’Angleterre) de ses premières mesures, l’un des plus extraordinaires débuts de tout le répertoire de chambre. L’opus 76 de 1797 forme, avec l’opus 20 de 1772 (un quart de siècle exactement les sépare), les deux plus prestigieuses séries de quatuors de Haydn. Le climat général des six Quatuors op.76 fut admirablement cerné par Rosemary Hughes comme autant de “chants d’expérience”, observation qu’on peut rapprocher de ce passage du journal de Delacroix (21 février 1847): “Quatuor d’Haydn, des derniers qu’il ait faits. Chopin me dit que l’expérience y a donné cette perfection que nous y admirons”. Ces ouvrages concentrent en eux l’enseignement de toute une vie, mais découvrent toujours de nouveaux horizons. On n’a jamais connu leurs autographes, et leur plus ancienne mention se trouve dans une lettre du diplomate suédois Silverstolpe, en poste à Vienne de 1796 à 1803, datée du 14 juin 1797. Peut-être Haydn commença-t-il à travailler à cet opus dès 1796, ais l’année 1797 est plus probable, pour la composition de l’ensemble, puisque le n°3 en ut (l’Empereur) ne put être entrepris avant la fin janvier 1797, date de l’achèvement de l’hymne impérial Gott erhalte. Les Quatuors op. 76, la dernière série de six menée à bien par Haydn, ont été composés en même temps que la Création et se situent donc deux ans après la dernière symphonie (no 104 dite Londres, de 1795). Le dédicataire fut le comte Joseph Erdödy. Ils parurent en 1799 chez Artaria, les trois premiers comme op.75 en juillet et les trois derniers comme op.76 en décembre, dans l’ordre passé à la postérité. La correspondance entre Haydn et Artaria indique qu’il s’agit d’un ordre authentique. Toujours en 1799, Haydn envoya ces quatuors à Londres, où ils parurent chez Longman, Clementi & Co en deux livraisons (“Opus 76” et “Opus 76 Livre 2”), annoncées dans le Times les 19 avril 1799 et 7 janvier 1800 respectivement.

  • le 6 mai votez Mozart et Françaix

    Chers amis mélomanes,

    Un grand concert le dimanche 6 mai à 16h à l'Auditorium du Palais des Beaux-Arts de Lille

    Mozart dans  le superbe Divertimento pour trio à cordes K563, et la poursuite de la célébration du centenaire de Jean Françaix avec son trio à cordeset un quatuor avec cor anglais (de la famille du hautbois)

    Jean Françaix 

    Trio à cordes   
    Quatuor pour cor anglais et trio à cordes

    Wolfgang Amadeus Mozart

    Divertimento pour trio à cordes, en mi bémol majeur K.563

    Philippe Gérard  cor anglais
    Marie Lesage  violon
    Cristina Blanco-Amavisca  alto
    Jean-Michel Moulin  violoncelle

    tarif 12€ le concert, tarif réduit 6€ pour les demandeurs d'emploi et 12-25 ans

    réservations : lesamischambreapart@orange.fr ou +33 607 626 125

    billetterie au sous-sol directement à l'entrée de l'auditorium

    nous vous attendons nombreux pour cet interlude musical du 6 mai

    Ambre Chapart

     

    Françaix.jpg  Jean Françaix est né en 1912 au Mans. Il bénéficie de l’enseignement parental pour ses premiers pas musicaux, guidé par un père professeur de piano, directeur du Conservatoire du Mans et une mère chef de chœur. Ses parents participent activement à la vie musicale sarthoise : ils animent notamment la direction de la Société des concerts et du cercle choral féminin, ce qui n’est pas sans intérêt pour un compositeur en herbe. Aux premières loges musicales, il assiste, puis participe aux répétitions pour finalement tester aussi son répertoire naissant.
    Les premiers succès ne tardèrent pas. Quelques années après avoir intégré le Conservatoire de Paris dans la classe d’Isidore Philipp, il ressort nanti d’un premier prix de piano (1930). Pris en main par Nadia Boulanger dès 1923, il se voit propulser une dizaine d’années plus tard sur les scènes internationales, notamment à Vienne en 1932 avec ses Huit bagatelles pour quatuor à cordes et piano, interprétées par le quatuor Kolisch et lui-même.
    Appartenant à la génération du groupe “Jeune France”, sa musique est néoclassique, légère et élégante, brillante et pleine de charme. Elle s’inscrit dans la même tradition que celle de Sauguet, d’Ibert et des premières œuvres du “groupe des Six”, avec une vivacité et une ironie qui en font un reflet typique de “l’esprit français” hors de nos frontières. Longtemps négligée par les instrumentistes français, cette musique “pour faire plaisir” a connu un regain de faveur généralisé grâce aµx musiciens anglo-saxons et allemands qui l’ont toujours appréciée à sa juste valeur, celle d’un divertissement élégant et raffiné. Il faut ajouter que Jean Françaix a toujours travaillé en étroite collaboration avec les musiciens qui lui commandaient des œuvres ; l’écriture qui en résulte est admirablement adaptée aux possibilités des instrumentistes, souvent difficile et toujours gratifiante.
    Œuvre juvénile, le Trio à cordes de 1933 est dédié au célèbre Trio Pasquier, qui l’interpréta longtemps devant des publics ravis. D’une inspiration enjouée, primesautière, il est en quatre mouvements dont les deux extrêmes (Allegretto vivo et Rondo), rythmiques et dansants, s’opposent aux mouvements centraux,  un Scherzo plus subtil en ses jeux harmoniques et ses effets de pizzicato virtuoses, et, plus particulièrement, un Andante d’une atmosphère tendre et transparente, avec les trois instruments con sordino.
    Le Quatuor pour cor anglais et cordes, écrit presque quarante ans plus tard en 1971 et dédié à la hautboïste anglaise Janet Craxton, s’inscrit dans la dernière période créatrice du compositeur. Si la sonorité remarquable du cor anglais est mis à l’honneur, chaque instrument est néanmoins parfaitement intégré dans ce quatuor.
    C’est un véritable petit ragtime auquel les cordes nous convient dès les trois premières mesures d’introduction. Un ample thème, dont la mélodie aux accents rythmiques déplacés se passe d’un instrument à l’autre, se déploie pendant tout ce premier mouvement.
    Le contraste sera avec l’Andante tranquillo qui suit est du plus grand. Le compositeur joue sur les possibilités d’expression mélancolique du cor anglais, avec les cordes jouant en harmoniques et en notes tenues, ponctuées par des accords arpégées.
    Le Vivo assai, avec des passages mélodiquement et harmoniquement très colorés, offre les “sorties de route” habituelles d’un compositeur tellement rompu à la tonalité qu’il se libère très rapidement de celle annoncée (sol majeur). Le thème très caractéristique en mineur de l’Andantino, harmoniquement soutenu, se pose en transition entre les deux mouvements rapides tandis que le rythme balançant de l’Allegro giocoso final donne un jeu étoffé, une trame tissée serrée qui apporte une épaisseur auditive à ce quatuor.


    Le Divertimento pour trio à cordes en mi bémol majeur K.563 de Wolfgang Amadeus Mozart fut composé à Vienne et porte la date du 27 septembre 1788. Elle est dédiée au négociant Mozart.jpgviennois Michael Puchberg en remerciement des prêts qu’il voulait bien consentir à Mozart, même s’ils étaient loin de correspondre aux demandes et aux besoins du compositeur dont les conditions d’existence devenaient au fil des ans de plus en plus dramatiques. Mozart connut entre juin et octobre 1788 une période de composition très féconde et ce divertimento fut écrit peu après les trois dernières symphonies, et au milieu de la composition de trois trios avec piano, qui ont été égaiement dédiés à Puchberg. Le choix du divertimento comme genre musical pour ce trio à cordes s’explique par le fait que l’œuvre est avant tout destinée au simple agrément de celui qui est encore le bienfaiteur de Mozart. Mais ce dernier a sans doute voulu aussi compenser l’aspect galant et mondain de ce genre proche des sérénades et des cassations par le choix d’une formation de chambre, garantie d’un certain sérieux.
    Mozart semble avoir commencé par écrire un trio en sol majeur qu’il délaissa rapidement pour entreprendre ce divertimento, en mi bémol majeur cette fois. Dans la mesure où Puchberg était le frère de loge de Mozart, on a coutume d’expliquer ce nouveau choix par le symbolisme maçonnique dont est investi le chiffre trois, correspondant au nombre d’altérations que comporte la tonalité de mi bémol majeur. Si l’on souhaitait poursuivre cette interprétation, on pourrait supposer que le nombre d’instruments choisi participerait aussi bien de la même signification, et remarquer en outre que c’est essentiellement de trios dont Puchberg est le dédicataire.
    Ce divertimento, en six mouvements (di sei pezzi), est une des œuvres les plus longues de la musique de chambre de Mozart, mais elle s’élève au rang des chefs-d’œuvre plus par la qualité de son écriture interne que par ses dimensions externes. Mozart parvient en effet à égaler ici les possibilités d’un quatuor tout en restant dans les limites imposées par le trio, et surtout sans abuser des procédés d’écriture lui permettant d’étoffer l’harmonie. Parmi ces procédés, il y a l’usage de doubles cordes permettant d’obtenir plus de trois sons, mais Mozart en use avec parcimonie, et les diverses figures d’arpèges permettant d’égrener successivement toutes les notes de l’harmonie, procédé qu’il préfère, mais dont il n’abuse pas non plus. Car, plus que d’avoir hissé ce genre à la dimension d’un quatuor, voire d’un quintette, c’est la réussite dans la mise des trois solistes sur un même pied d’égalité qui fait la richesse et l’intérêt de cette œuvre. Mozart s’est arrangé pour confier alternativement, ou même simultanément, un intérêt mélodique, voire tout a fait thématique, à chacun des instruments ; le raffinement suprême consiste à aboutir, en quelques endroits bien choisis, à un contrepoint très élaboré, mais toujours gracieux, leur permettant de dialoguer en utilisant les mêmes éléments.

     

  • Quatuors à cordes

    Chers amis mélomanes,

    En ce dimanche de printemps Chambre à part retourne au palais des Beaux-Arts de Lille avec de superbes quatuors à cordes. Les deux merveilleux Razumowski (opus 59 2 et 3) de Beethoven, et les deux quatuors d'Arenski, compositeur russe du XXe. Deux beaux concerts mêlant chefs d'oeuvres et découvertes.

    Auditorium du Palais des Beaux-Arts de Lille, dimanche 15 avril à 15h et 17h.

    à 15h
    Anton Arenski Quatuor à cordes no1 op.11
    Ludwig van Beethoven Quatuor à cordes op.59 no2 “Razumovsky”
    Quatuor Dimitri
    Céline Planes violon Julie Oddou violon
    Renaud Stahl alto Frédéric Dupuis violoncelle

    à 17h
    Anton Arenski Quatuor no2 pour violon, alto et 2 violoncelles, op.35
    Ludwig van Beethoven Quatuor à cordes op.59 no3 “Razumovsky”
    Quatuor Rhapsode
    Hugues Borsarello violon Paul Mayes violon
    Anne Le Chevalier alto Catherine Martin violoncelle
    Emilie Stahl violoncelle

    venez nombreux, amenez vos amis pour partager vos émotions

    tarif 10€ le concert, tarif réduit 6€ pour les demandeurs d'emploi et 12-25 ans

    réservations : lesamischambreapart@orange.fr ou +33 607 626 125

    vous pouvez voir toute la saison 2011-2012 ici : saison 2011-2012

    Ambre Chapart

     

    Arenski.jpg Les dons précoces d’Anton Stepanovitch Arenski, né à Novgorod en Russie, furent encouragés par des parents musiciens : le père, médecin, pratiquait le violoncelle; la mère était excellente pianiste et le forma jusqu’à l’âge de neuf ans. Il entre au Conservatoire de Saint-Pétersbourg en 1879 dans les classes de Rimski-Korsakov (composition et orchestration) et de Johannsen (contrepoint et fugue). Une fois diplômé, il est nommé professeur d’harmonie et de contrepoint au Conservatoire de Moscou où il forme des élèves tels que Scriabine, Rachmaninov et Glière. Il mène alors une triple carrière de pianiste, chef d’orchestre et pédagogue. En 1894 il prend la succession de Balakirev, sur recommandation de ce dernier, comme directeur de la Chapelle Impériale à Saint Pétersbourg. Sur ses soixante-quinze partitions complètes et recensées, peu sont restées au répertoire, mais sa musique de chambre s’avère la plus intemporelle par la synthèse originale qu’elle propose entre son invention mélodique russe (influence de Rimski-Korsakov et du Groupe des Cinq) et l’influence de Tchaïkovski, elle-même issue des modèles viennois et italiens.
    Les deux quatuors à cordes, bien que d’un style irréprochable, pourraient presque être qualifiés de miniatures. Le premier, op. 11 (qui est aussi la première oeuvre de musique de chambre d’Arenski) comprend un tout petit mouvement lent, un menuet sans prétention mais charmant et un finale écrit en forme de variations sur un petit motif court et agréable tiré d’une mélodie russe. L’instrumentation unique du second quatuor, op.35, avec deux violoncelles à la place des deux violons habituels, renforce le caractère élégiaque de l’oeuvre, dédiée à la mémoire de Tchaïkovski. Arenski inclut des citations de hants funèbres orthodoxes dans le premier et le dernier mouvement ainsi que le célèbre thème du chant traditionnel Slava ! (“Gloire !”) utilisé par Beethoven dans son quatuor op. 59 no 2. Ce quatuor doit sa célébrité surtout aux variations du deuxième mouvement, sur un thème emprunté à l’Album pour enfants de Tchaïkovski, qu’Arenski a également arrangé pour orchestre à cordes.

    Ludwig van Beethoven a 36 ans en 1806. Les trois Quatuors à cordes op. 59 furent composés à partir du 26 mai de cette année pour le prince Andreas Razumovsky, ambassadeur du tsar à la cour Beethoven.jpgautrichienne, et terminés au début de 1807. Violoniste fervent et mélomane averti, Razumovsky avait demandé au compositeur d’insérer quelques chansons russes dans ces oeuvres. Dans le texte qui annonçait la publication, on pouvait lire que les “trois nouveaux quatuors de Beethoven étaient très longs et difficiles” et qu’ils “ne sauraient être accessibles à tous, à l’exception éventuelle du troisième, en ut majeur”. Il est vrai que Beethoven a ici brisé toutes les entraves à la technique instrumentale forgées par l’habitude. Rien ne résiste au souffle divin de son imagination, il ne pense certainement pas aux “misérables cordes”, lorsque “lui parle l’esprit !” Sa réponse au fidèle Schuppanzigh, incapable de jouer certains passages, montre que sa nouvelle musique en gestation a besoin d’instrumentistes qui ne craignent ni la modernité ni une poussée soudaine de la virtuosité. Cette transformation radicale d’un genre musical, réservé en principe aux “amateurs”, ne fut guère comprise. Dès la parution des quatuors, on parla de “mauvaise farce d’un toqué” et de “musique inintelligible”. Les Quatuors “Razumovsky” marquent un tournant dans la veine créatrice de Beethoven par le mûrissement de son langage et la sublimation, face au drame personnel de la surdité. Malgré leurs points communs, les trois oeuvres diffèrent sensiblement dans la répartition générale du poids. Le premier en fa majeur est le plus proche des usages classiques habituels, en ce qu’il aborde les questions musicales les plus ardues dès le début, avant de réduire peu à peu la densité de l'argumentation.

    Le deuxième en mi mineur, op.59 no 2, maintient un niveau de densité musicale constant tout du long, L’Allegro initial allie un flux en constant changement à une symétrie globale tandis que l’Adagio est particulièrement statique; Beethoven l’aurait conçu, dit-on, en contemplant le ciel étoilé et en pensant à la musique des sphères. Ici le thème russe - le méme que Moussorgski utilisera dans Boris Godounov ainsi qu’Arenski dans son quatuor op.35 – fait son apparition dans la section en mode majeur qui alterne à deux reprises avec le troisième mouvement, Allegretto. L’exubérance de son traitement fugué prépare habilement l’auditeur à la véhémence et à la témérité du finale.

    Le quatuor en ut majeur (op.59 no 3) ne constitue pas seulement la brillante conclusion de cette trilogie, mais également la résolution des tensions et des conflits du quatuor précédent. En marge d'une esquisse du finale de ce Quatuor on a trouvé cette note: “De même que tu te jettes ici dans le tourbillon mondain, de même tu peux écrire des oeuvres en dépit de toutes les entraves qu’impose la société. Ne garde plus le secret sur ta surdité, même dans ton art”. Pour la première fois dans les quatuors, Beethoven, comme Mozart dans le quatuor “Dissonances” K.465, commence par une introduction lente, incitant l’auditeur à une attention recueillie; ceci deviendra la règle dans presque tous les derniers quatuors. Après un premier mouvement et un Andante emplis d’ambiguités délibérées et un retour archaïque au style du menuet pour le mouvement de danse, tout le poids et l’impact de la pièce ne reçoivent leur expression directe qu’avec un finale fugué d'une puissance et d’une verve extraordinaires.