Chers amis mélomanes,
Avez-vous déjà vu de la musique peinte ? Je peux vous assurer que c'est superbe à voir et entendre. C'est le moment d'amener tous ses amis et la famille, surtout vos enfants, si vous souhaitez qu'ils deviennent artistes.
Dimanche 10 février à 11h au Conservatoire de Lille, place du concert, Les révves de Jacob prendront forme grâce au talent de Marielle Duroule.
Venez nombreux partager cette découverte avec les artistes, et vous pourrez les rencontrer à la sortie autour du verre de l'amitié. Le programme détaillé préparé par Paul Mayes est à lire ci-dessous.
tarif 10€ le concert, tarif réduit 6 € pour les demandeurs d'emploi et 12-25 ans, et profitez encore de l'abonnement Liberté : 6 places de concerts pour 48 €
réservations : lesamischambreapart@orange.fr ou +33 607 626 125
vous pouvez retrouver l'intégralité du programme de la saison en suivant ce lien : saison 2012-2013
à dimanche ! Ambre Chapart
Wolfgang Amadeus Mozart Quatuor pour hautbois et cordes en fa majeur, K.370
Gioacchino Rossini Sonate pour cordes no 5 en mi bémol majeur
Benjamin Britten Phantasy-Quartet pour hautbois et cordes, op.2
Darius Milhaud Les rêves de Jacob
Suite choréographique pour hautbois, violon, alto, violoncelle et contrebasse, op.294
Marielle Duroule peinture et danse
Christophe Moulin hautbois
Ken Sugita violon
Paul Mayes alto
Jean-Michel Moulin violoncelle
Julia Petitjean contrebasse
Wolfgang Amadeus Mozart composa le quatuor pour hautbois pour son ami, le hautboïste Friedrich Ramm, dont le jeu était “d’une expressivité extraordinaire et d’une légèreté et d’une délicatesse envoûtantes”. Le premier mouvement est dominé par un motif gruppetto léger et joyeux. Ce caractère léger persiste dans l’élaboration contrapuntique d’un quatrième thème vigoureux. Dans le deuxième mouvement ce sont les cordes qui jouent le thème, entourées d’une délicate mélodie jouée par le hautbois. Une cadence introduit le Rondo final pétillant qui possède clairement les caractéristiques du concerto, mettant en valeur le jeu brillant du hautbois. Le développement du hautbois prend toute son ampleur dans la deuxième partie intermittente, quand il accélère sur une mesure en 4/4 alors que les cordes continuent sur leur rythme balancé en 6/8.
Gioacchino Rossini débuta très tôt dans la composition de ses œuvres de musique de chambre. Ses six Sonates à quatre pour deux violons, violoncelle et contrebasse ont, en effet, été composées à 
Ravenne en 1804 lors de son séjour chez le contrebassiste Agostino Triossi. Rossini n’avait que douze ans. Elles furent éditées chez Ricordi à Milan en 1825 et 1826 sous le titre de Cinque quartetti originali (il y manquait la troisième sonate en ut majeur). Ces quatuors sont en trois mouvements: le premier rapide ou modéré, le second Andante, et le troisième très vif. Les deux violons s’adjugent le rôle principal mais Rossini n’hésite pas à confier de longs passages de solistes au violoncelle et à la contrebasse, donnant à l’ensemble une sonorité inattendue mais toujours séduisante. Les mouvements rapides sont pétulants et pleins de virtuosité, alors que dans les Andante perce presque toujours une certaine mélancolie. Si la grâce du XVIIIe siècle est encore présente ici, le futur compositeur de théâtre s’affirme cependant, et la perfection formelle de ces Sonates, le traitement des mouvements et leur développement interne annoncent le Rossini de la maturité.
Aujourd’hui nous considérons Benjamin Britten principalement comme un compositeur de musique 
vocale (opéras, cantates, musique pour chœurs et arrangements de musique folklorique), mais les œuvres du début de sa carrière sont, au contraire, essentiellement instrumentales. Parmi ses premières vingt-cinq compositions importantes, dix-huit sont purement instrumentales et elle sont généralement plus imposantes et plus notoires que les œuvres vocales de la même époque. Le Quatuor-Phantasy a beaucoup contribué au renom du jeune compositeur, qui n’avait que 19 ans au moment de sa composition, en Angleterre d’abord mais également à l’étranger. Composé en 1932, la même année que la Sinfonietta op.1, il est dédié au hautboïste Leon Goossens, qui l’a créé à Londres avec l’International String Quartet pour un enregistrement radio en août 1933. Il a été rejoué à Florence l’année suivante au festival de l’International Society of Contemporary Music : peu de compositeurs ont la chance de voir leur deuxième opus programmé sur une scène internationale.
Le Quatuor-Phantasy est écrit en un seul mouvement. Le nom fait référence aux “Fantaisies”, populaires dans la musique anglaise pour consort de violes au 16e et 17e siècles, et implique une liberté d’imagination musicale. Mais Britten révèle une maturité inattendue dans l’art de combiner deux structures musicales souvent antinomiques : celle de la variation (fantaisie) et celle de la forme sonate. Le mouvement est construit en forme d’arche, terminant comme il commence avec une mélodie du hautbois posée sur un rythme de marche rejoué par les cordes. Ceci encadre la structure sonate, avec exposition et récapitulation clairement perceptibles autour d’un développement qui se transforme d’une manière surprenante en “mouvement lent” central. Son langage musical évolue des gammes modales utilisées par d’autres compositeurs anglais, tels Vaughan Williams et Holst, inspirés de l’héritage de la musique folklorique ainsi que du chant polyphonique élisabéthain, mais il va au delà en incluant des passages de musique tonale pour caractériser les différents sections de l’œuvre. Sa construction, nullement chaotique, recèle maintes subtilités, en particulier dans la mise en place des tonalités et du cycle des “variations”.
Darius Milhaud est issu de l’une des plus vieilles familles juives de Provence. L’unique fils d’un négociant en amandes et d’une mère née à Marseille, tout deux musiciens amateurs, Darius montre des dons précoces, pour le violon et la composition. En 1909, il part étudier au Conservatoire de Paris, avec Gustave Leroux en harmonie, André Gedalge pour le contrepoint, Charles-Marie Widor pour la 
composition et surtout Paul Dukas pour l’orchestration.
Ces années sont l’occasion de multiples rencontres sur le plan musical et littéraire : il se lie d’amitié avec les musiciens Georges Auric et Arthur Honegger, et avec le poète Léo Latil, tué en 1915 lors de la Première Guerre mondiale. Il fait également la connaissance de Francis Jammes et de Paul Claudel en 1912, auteurs dont il mettra les textes en musique. Cette amitié évolue dans le sens d’une collaboration : Claudel, nommé ministre plénipotentiaire à Rio de Janeiro, propose à Milhaud de devenir son secrétaire. Milhaud accepte. Il s’enthousiasme alors pour les musiques sud-américaines, qu’il insère dans les ballets L'Homme et son désir et Le Bœuf sur le toit ainsi que dans la suite de danses Saudades do Brasil
De retour à Paris, il est associé au Groupe des Six, constitué de Georges Auric, Louis Durey, Arthur Honegger, Francis Poulenc, Germaine Tailleferre, sous l’égide de Jean Cocteau. Il officie en tant que chef d’orchestre, critique musical, ou même conférencier, et voyage abondamment. Parallèlement, sa vie sentimentale est comblée par son mariage avec Madeleine, une cousine actrice. Ensemble, ils ont un fils, Daniel, né en 1930.
En 1940, il doit fuir la France occupée, cumulant “l’inscription sur deux listes de proscription : comme juif et comme compositeur d’art dégénéré”. Il part avec sa famille aux États-Unis, où le chef d’orchestre Pierre Monteux l’aide à trouver un poste de professeur de composition au Mills College à Oakland en Californie. Milhaud y aura notamment comme élèves le pianiste de jazz Dave Brubeck, le compositeur de variétés Burt Bacharach, et les fondateurs du minimalisme américain Steve Reich et Philip Glass.
Après la guerre, il retourne en France en 1947, et se voit offrir un poste de professeur de composition au Conservatoire de Paris. Mais en juillet 1948 il retourne aux Etats-Unis afin de participer au festival de Tanglewood, où il rencontre le danseur légendaire Ted Shawn, considéré comme le père de la danse américaine. En 1930, Shawn a fait l’acquisition d’une ferme du 18e siècle dans le Massachussetts nommée Jacob’s Pillow (l’Oreiller de Jacob), où il dirige un festival de danse chaque été jusqu’à sa mort en 1972. Milhaud n’a pu rester que quelques jours à Jacob’s Pillow, mais son hôte a saisi l’occasion pour lui commander une œuvre pour le festival de 1949. C’est ainsi qu’est née la suite chorégraphique Les Rêves de Jacob, composée avec la facilité habituelle de Milhaud entre le 14 et le 29 avril 1949, à Mills College. En mai, une bande, enregistrée avec des membres de l’Orchestre Symphonique de San Francisco, sera envoyée à Shawn pour lui permettre d’élaborer la chorégraphie pour la première, qui a eu lieu le 19 août à Jacob’s Pillow. L’œuvre a été créée en Europe le 29 juin 1950 au festival de l’ISCM à Brussels.
Né en 1910 à New York, William Schuman resta lié de près à la vie artistique de la cité tout au long de sa carrière. Pendant sa jeunesse, il joua du violon, écrivit des chansons populaires et constitua son propre orchestre de danse mais il s’intéressait plus au baseball qu’à la musique – jusqu’au jour où, âgé de dix-neuf ans, il eut l’occasion d’assister à un concert de musique symphonique. À partir de là, le baseball et la musique populaire vinrent en second après la musique de concert. Il fit ses études avec Max Persin et Charles Haubiel, puis à la Columbia University, mais c’est la musique de Roy Harris que Schuman trouva la plus proche de ses ambitions. 
unique jusque-là. Alors que Mozart maîtrisait deux des trois instruments, Robert Schumann ne jouait que du piano (rappelons d’ailleurs qu’une expérience malheureuse visant à assouplir son quatrième doigt mit un terme à sa carrière d’interprète durant sa vingt-troisième année). On ne s’étonnera donc pas de constater qu’à l’exception des trois quatuors à cordes, le piano occupe une place de choix dans ses nombreuses pièces de musique de chambre, qu’il composa presque toutes à partir de 1842. On a souvent vu en Schumann le responsable de la prééminence du piano dans la musique de chambre du dix-neuvième siècle et il est vrai qu’il joua un rôle formateur dans l’évolution musicale de romantiques aussi différents les uns des autres que Tchaïkovski, Smetana, Fauré et Grieg. 
Né à Frankfurt-am-Main, Bernhard Heiden manifesta un intérêt précoce pour la musique et composa ses premiers morceaux dès l’âge de six ans. Il étudia le piano, le violon et la clarinette (!) ainsi que l’harmonie et la théorie de la musique. Admis à la Hochschule für Musik de Berlin en 1929 à l’âge de 19 ans, il y devint l’élève du plus éminent compositeur allemand de l’époque, Paul Hindemith. En 1933, pendant sa dernière année d’études, le Prix Mendelssohn de composition lui fut décerné et un an plus tard il se maria avec Cola de Joncheere, pianiste et condisciple à la Hochschule.
d’énergie que dans la Sonate en fa dièse majeur op.78 de Beethoven, et sans doute Haydn devait-il avoir une telle partition à son actif avant de parvenir à la formidable dialectique contraction-expansion de son ultime période créatrice. 
En mars 1890, la Société des instruments à cordes de Nadaud avait fait entendre un Quatuor en la mineur de Charles Gounod qui fut publié après sa mort sous le n° 3. Par la suite un Petit quatuor en ut majeur eut les honneurs de l’édition mais, sur ce pan méconnu de l’activité créatrice de Gounod il ne reste que le témoignage assez vague de Saint-Saëns dans son article de La Revue de Paris du 15 juin 1897 : “J’étais allé rendre visite (à Gounod) au retour d’un de mes hivernages et je lui demandai ce qu’il avait produit pendant mon absence. – J’ai écrit des quatuors, me dit-il; ils sont là. Et il me montrait un casier placé à portée de sa main. - Je voudrais bien savoir lui répliquais-je comment ils sont faits - Je vais te le dire. Ils sont mauvais, et je ne te les montrerai pas. On ne saurait imaginer de quel air de bonhomie narquoise il prononçait ces paroles. Personne n’a vu ces quatuors: ils ont disparu, comme ceux qui avaient été exécutés l’année précédente”. Malheureusement Saint-Saëns ne précise pas l’année. 
comme ses six frères et sœurs, le piano et le solfège au Conservatoire de Paris. Puis, à l’âge de 16 ans, il s’orienta vers la harpe et fut l’élève d’Alphonse Hasselmans, remportant le Premier prix de harpe en 1899. Il étudia également la composition avec Charles-Marie Widor et, en 1909, il remporta le Grand Prix de Rome avec sa cantate La Roussalka puis l’Institut de France lui décerna le Prix Rossini pour sa musique de scène Laure et Pétrarque. À la même époque, il fut harpiste à la Société des Concerts, aux Concerts Lamoureux et à l’Opéra de Paris. En 1912, Gabriel Fauré le choisit pour succéder en 1912 à Alphonse Hasselmans comme professeur au Conservatoire de Paris, où il enseigna jusqu’en 1948. 
Jacques Ibert est né à Paris d’un père commissionnaire en marchandises. Sa mère, Maguerite Lartigue, était une excellente pianiste amateur, élève de Le Couppey et de Marmontel, et avait souffert de ce que son père, haut fonctionnaire des Finances, ait jugé peu respectable pour l’une de ses filles de faire une carrière professionnelle. Ma mère”, raconte Jacques Ibert, “souhaitait me voir devenir un grand violoniste chevelu et romantique. Pour cela, elle décida de m’apprendre mes notes avant même que j’eusse une notion élémentaire de l’alphabet. J’avais alors quatre ans. Après quelques essais violonistiques malencontreux, dus à la fatigue que l’étude de cet instrument imposait à ma santé fragile, ma mère me mit les mains sur le clavier, et, avec une patience et une ténacité admirable, commença à guider mes premiers efforts.”
son père, il entra au Conservatoire de Paris dont il reçut un premier prix de piano au sortir de la classe d’Isidor Philipp. A partir de dix ans, il étudia la composition avec Nadia Boulanger laquelle évoque dans ses entretiens avec Bruno Monsaingeon la première fois qu’elle rencontra le jeune compositeur: “Un jour [de 1922], un enfant - Jean Françaix devait venir pour sa première leçon d'harmonie et je me disais: "Comment vais-je m'y prendre?" Cela me tenait éveillée la nuit, je me tourmentais. Lorsqu’il est arrivé, je lui ai dit: "Tu sais, Jean, aujourd’hui nous allons travailler les accords .. - Ah ! oui, comme cela ... " et il me joue l’accord, avec l’air de bébé qu’il avait, car il était vraiment très enfant. Au bout de deux mois, jai dit à sa mère: "Madame, je ne sais pas pourquoi nous perdons du temps à lui faire travailler l’harmonie, il sait l’harmonie. Je ne sais pas comment, mais il la sait, il est né la sachant.”