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CHAMBRE A PART ... - Page 3

  • Un concert tout quatuor à cordes en mineur

    Chers amis mélomanes,

    Dimanche 28 avril à 11h à l'auditorium du Palais des Beaux-arts de Lille, venez profiter d'un concert entièrement dédié à de la musique en mode mineur.

    Au programme les plus grands compositeurs : Haydn, Schubert, Mozart, Dvorak...

    Attention l'horaire est bien à 11 heures, contrairement aux indications de la plaquette diffusée en septembre dernier.

    Tarifs 12/6 €. On peut encore profiter de l'abonnement Liberté si on vient à plusieurs (6 places 48€).

    réservations : lesamischambreapart@orange.fr ou +33 607 626 125

    Billetterie à l'entrée de l'auditorium (2e sous-sol) et accès par le 18bis rue de Valmy (sauf handicapés). Durée du concert 1h15.

    Joseph Haydn  Quatuor à cordes en ut mineur, op.17 no4
    Franz Schubert  Quatuor à cordes no9 en sol mineur, D.173
    Wolfgang Amadeus Mozart Quatuor à cordes no13 en ré mineur, K.173
    Anton Dvorak Quatuor à cordes en ré mineur, op.34

    Alexandre Diaconu, violon
    Olivier Lentieul, violon
    Paul Mayes, alto
    Claire Martin, violoncelle

    Haydn.jpg  En abordant la musique religieuse, l’opéra, la sonate pour clavier et même la symphonie, Joseph Haydn trouva des modèles à sa disposition. Tel ne fut pas le cas en ce qui concerne le quatuor à cordes. Avec Boccherini, il fut le créateur du genre, à peu près au même moment (vers 1760), mais indépendamment l’un de l’autre. Datés de 1771, les six autographes de l’op.17 sont non seulement les premiers des quatuors de Haydn à nous être parvenus, mais les seuls reliés en volume. Par rapport aux six quatuors op.9 de l’année précédente, l’op.17 donne une impression d’ampleur, de profondeur et de subtilité formelle accrues.
    Le Quatuor en ut mineur op.17 no4 est le seul de Haydn dans cette tonalité, qu’il utilisa une fois également dans les sonates et trois fois dans ses symphonies. La partition, sauf en son finale, est cependant plus élégiaque que tragique,  d’autant que son premier mouvement est encore une fois un Moderato. Le motif initial descendant (mi bémol - sol - ut) énoncé par le premier violon à découvert domine tout autant ce mouvement que les fameuses quintes le quatuor du même nom (op. 76 no 2, de 1797). Les six dernières mesures, pour la première fois dans le mouvement, introduisent ut majeur : on a ici la première grande “éclaircie psychologique” en majeur dans un mouvement en mineur du “classicisme viennois”. Ces ultimes mesures font le lien avec le Menuetto qui suit, en ut majeur, à l’allure d’un robuste scherzo, au thème mémorable, avec un trio en ut mineur déchiré par ses harmonies de sixte, ses syncopes et ses chromatismes. Dans l’Adagio cantabile en mi bémol, Haydn rend un hommage au principe de la “reprise variée” cher à Carl Philipp Emanuel Bach. L’extraordinaire finale combine esprit contrapuntique et forme sonate. Les deux dernières mesures, à l’unisson des quatre instruments, constituant sans doute la première apparition dans les quatuors de Haydn du style symphonique de l’époque.

    Le Quatuor no 9 en sol minéur (D. 173) fut entrepris par Franz Schubert le 25 mars 1815 (à peine sa Deuxième Sympnonie achevée, le 24 mars) et terminé dès le 1er avril suivant, soit en une semaine. Il est probable que la création privée en eut lieu au sein du groupe familial, pour la fête de Pâques. Il est Franz Schubert.jpgnotable que c’est l’unique fois, pour un quatuor à cordes, où Schubert a utilisé la tonalité de sol mineur, si évocatrice de Mozart. L’œuvre comporte quatre mouvements. L’Allegro con brio d’ouverture présente une thématique contrastée et vigoureusement formulée (non sans référence au finale du Quatuor op.18 n°2 de Beethoven). Le développement est bref (une trentaine de mesures seulement), par “séquences” sur le second thème, conduit par le premier violon. La réexposition a lieu dans le ton relatif majeur. L’Andantino suivant, en un si bémol majeur plus intensif, procède en une architecture par plans et couleurs plus individualisées. Le thème, qu’alternent violoncelle et premier violon, est rythmiquement appuyé (dactyle), tandis que l’accompagnement s’affirme de façon immuable avec un rythme rapide de triolets en doubles croches. Le vigoureux Menuet, un Allegro vivace, est en sol mineur. Sa référence évidente est mozartienne (Symphonie en sol mineur, K.550) ; le trio, en si bémol majeur, fait contraste : la ligne mélodique se déploie en sinuosités parfois étranges, sur un accompagnement léger. Enfin, l’Allegro du rondo final (sol mineur à nouveau) retrouve la robustesse rythmique du premier mouvement, avec son joyeux thème paysan agissant comme motif récurrent. Ainsi observe-t-on que le rythme constitue l’élément unificateur de l’œuvre, même si se constatent, par ailleurs, un affinement de l’écriture et des rapports plus souples entre les différentes voix instrumentales.

    Wolfgang Amadeus Mozart.jpg  Comme chez Haydn, Beethoven ou Schubert, les quatuors à cordes de Wolfgang Amadeus Mozart constituent la part maîtresse de sa musique de chambre. Ils s’étendent sur vingt ans de sa vie créatrice, mais s’ordonnent comme chez Haydn en groupes nettement individualisés et séparés par de longues interruptions. Le premier essai de Mozart, d’ailleurs isolé, est né d’une impulsion personnelle, comme détente, durant le premier voyage en Italie (1770). Au début de 1773, Mozart composa six quatuors dits “italiens” ou “milanais”, d’après leur lieu de composition. Ce sont là des œuvres typiquement “galantes”, dans le style de l’opéra italien, mais qui contiennent nombre d’inventions savoureuses et dont l’oubli nous prive de joies véritables.
    Écrits à Vienne entre la mi-juillet et la fin septembre 1773 sous le choc de la découverte par le jeune compositeur de dix-sept ans des Quatuors de Joseph Haydn (l’op.17, mais surtout le tout nouvel op.20, les quatuors “du Soleil”), les six Quatuors “viennois” (K 168-173) diffèrent très fortement des “milanais” à peine antérieurs de quelques mois, et sont sans doute intrinsèquement moins réussis, mais précisément dans la mesure où ils sont beaucoup plus ambitieux. Si la synthèse vraiment parfaite entre style savant et style galant ne s’accomplira que dans les quatuors de la haute maturité (significativement, Mozart cessera d’en écrire pendant non moins de neuf ans), il ne faut pas pour autant dédaigner les nombreuses richesses de pages imparfaites, inabouties, mais souvent fascinantes.
     Le Quatuor en ré mineur K. 173 adopte une tonalité toujours chargée de signification chez Mozart, et, en effet, son Allegro initial présente pour la première fois deux thèmes vraiment antithétiques. C’est l’une des formes sonate le plus hardiment expérimentales du jeune Mozart, d’une instabilité harmonique exceptionnelle. L’Andantino grazioso en ré majeur, à l’allure de gavotte, apporte une éclaircie; mais la gravité règne à nouveau dans le merveilleux Menuet, l’un des joyaux de l’adolescence mozartienne, et dans la Fugue finale.

    Le quatuor à cordes fut l’une des formes favorites d’Antonin Dvorak. Sa production très vaste en ce domaine (14 œuvres) se répartit entre 1862 et 1895 et fournit un excellent reflet de son cheminement esthétique. Le Quatuor no9, op.34 fut écrit en quelques jours, du 7 au 11 décembre 1877, alors que le compositeur était encore secoué par la disparition de la seconde de ses filles, Rüzena, et par celle de son premier garcon, Otakar. Encore proche de l’esprit du Stabat Mater terminé le 13 novembre, le choix de la sombre tonalité de ré mineur ne surprend donc pas et trouve en son Adagio un  Dvorak.jpgprolongement, épuré, de cette tristesse. Dédié à Johannes Brahms, l’un des plus ardents défenseurs du musicien tchèque, le Quatuor op.34 débute par un Allegro sur lequel plane l’ombre de Schubert, en particulier au début du mouvement, d’une texture délicate et empreint de tristesse. Par la suite, l’épisode gagne en intensité tandis que s’affirme une couleur très slave. On la retrouve dans l’Allegretto scherzando, alla polka où, malgré le rythme dansant et la fermeté du trait, un voile de mélancolie demeure du fait de la tonalité de sol mineur. Bâti à partir d’un matériau thématique issu du premier mouvement, l’Adagio frappe par la beauté et la tenue de sa ligne mélodique autant que par la densité expressive que Dvorak maintient de la première à la dernière note. Synonyme d’élan et de vivacité rythmique, le finale Poco allegro conclut l’œuvre sur un ton plus insouciant.
    Malgré la recommandation expresse de Brahms à l’éditeur Simrock, le Quatuor en ré mineur ne fut publié qu’en 1880, à Berlin, et chez Schlesinger. Il ne fut donné en première publique qu’après son édition par Ferdinand Lachner, Petr Mares, Vaclav Borecky et Aloïs Neruda, le 27 février 1882 à Prague.



  • Bons baisers de Russie

    Chers amis mélomanes,

    Venez donc dimanche 7 avril à 11h à l'auditorium du Conservatoire de Lille, place du concert pour  entendre un quatuor de Ida Gotkovski et la rencontrer. Détail du programme ci-dessous.

    Oui la compositrice viendra à Lille pour vous rencontrer, vous pourrez l'approcher, lui parler... puisque Chambre à part propose à tout le public, comme chaque fois au Conservatoire, le verre de l'amitié avec les artistes.

    Oui Chambre à part est une saison musicale exceptionnelle à Lille, il n'y a que les absents qui ne le savent pas.

    Amenez vos amis et vos enfants, on vous attend pour partager la musique ensemble

    Tarif 10€ le concert, tarif réduit 6 € pour les demandeurs d'emploi et 12-25 ans, et profitez encore de l'abonnement Liberté : 6 places de concerts au libre choix pour 48 €

    réservations : lesamischambreapart@orange.fr ou +33 607 626 125

    Attention ! le concert du 28 avril aux Beaux-arts aura lieu à 11h et non pas 16h, comme annoncé initialement sur la plaquette.

    Ambre Chapart

    Programme :

    Ida Gotkovsky    Quatuor à cordes
    Igor Stravinski   Concertino pour quatuor à cordes
    Dimitri Chostakovitch   Quintette pour piano et cordes en sol mineur, op.57


    Cécile Mangeot  piano
    Hugues Borsarello  violon
    Ken Sugita  violon
    Paul Mayes  alto
    Jean-Michel Moulin  violoncelle

     

    Ida Gotkovski.jpg De nationalité française, Ida Gotkovsky a vécu dans une famille de musiciens. Ses études au Conservatoire National Supérieur de Musique de Paris lui ont valu tous les prix d’Ecriture et de Composition. Ida Gotkovsky est connue pour un nombre considérable de travaux parmi lesquels, musique de chambre, musique symphonique, musique instrumentale, musique vocale et œuvres lyriques sont largement représentées.
    Dès le début de sa carrière, le caractère et la forme de ses œuvres lui valurent de nombreux prix, parmi lesquels : La Médaille de la Ville de Paris, le Grand Prix Musical de la Ville de Paris, le Prix de la SACEM et un Golden Rose aux U.S.A. Très vite, sa notoriété dépasse les frontières et Ida Gotkovsky est sollicitée pour participer, et ensuite présider, des jurys internationaux ; parallèlement ses œuvres sont interprétées en Europe, aux Etats-Unis, au Japon, en U.R.S.S., etc... où elles sont reçues comme les ambassadrices de la Culture Française. Toutes ses œuvres sont des commandes d’Etat et de pays étrangers.
    L’œuvre entière d’Ida Gotkovsky est marquée par la force créatrice et la rigueur qu’elle consacre à l’évolution du patrimoine musical. Son œuvre est aussi bien représentée dans le domaine de la musique pour harmonie, que dans le domaine symphonique et lyrique. La notion d'infini qu’Ida Gotkovsky recherche dans toute œuvre d’art est exprimée dans sa profession de foi musicale : “Créer une œuvre universelle et assurer par un langage contemporain, aux structures vigoureuses, l’unité de l’expression musicale à travers tous les temps.”
    Le Quatuor à cordes fut écrit en 1955 et créé par le Quatuor Lowenguth, dont le père de la compositrice tenait la partie du deuxième violon.

    Le Concertino d’Igor Stravinski doit sa création à Alfred Pochon, le premier violon du Quatuor Flonzaley, qui commande au compositeur une courte pièce pour quatuor à cordes. Stravinski l’écrit à Carentac (en Bretagne) et à Garches pendant l’été 1920. Elle est créée, sans grand succès, le 3 Stravinsky.jpgnovembre la même année à New York par les dédicataires. Le compositeur expliquait ainsi le titre et la forme: “c’est un morceau en un seul mouvement traité librement en forme d’allegro de sonate, avec une partie nettement concertante au premier violon, ce qui, en raison de sa dimension limitée, me fit donner le titre diminutif de concertino (piccolo concerto)”. La coupe ternaire de ce court morceau appelle le modèle baroque de la sonate a quattro où le violon se taille le rôle essentiel, - ici une magnifique cadence au cœur de la section médiane, Andante. La permanente motricité de ce Concertino apparaît comme son premier aspect moderne, alors qu’à l'analyse, ce motorisme ne prend le dessus que dans le Poco agitato final.
    En 1952, Stravinski reprit cette partition de jeunesse, où le violon omnipotent se souvenait du “violoneux” de l’Histoire du soldat, pour l’étendre à un Concertino pour 12 instruments (violon, violoncelle, flûte, hautbois, clarinette, cor anglais, deux bassons, deux trompettes, trombone ténor, trombone basse).

    Chostakovitch.jpg Le Quintette pour deux violons, alto, violoncelle et piano de Dimitri Chostakovitch appartient à ces œuvres de choix qui, dès la date de leur création (1940), ont été instantanément reconnues et approuvées par tous les types de public. Ce quintette se compose de cinq mouvements : prélude, fugue, scherzo, intermezzo et finale. Chaque section contribue à la formation d’une seule entité harmonieuse au sein du cadre et du développement du plan général. La composition dans son ensemble a un contenu profondément significatif et se fait, à bien des égards, l’écho des concepts de la Symphonie n° 5. Sa caractéristique dominante est le lyrisme; pourtant cette atmosphère lyrique est totalement différente de celle du premier quatuor de 1938 et atteint un caractère plus profond, plus philosophique. Sur le plan du style, le quintette remonte aux traditions des maîtres anciens des XVIIe et XVIIIe siècles, ce qui n’implique pas toutefois une musique archaïque ou rétrospective, car le compositeur reste fidèle à son propre langage et infuse un nouveau contenu dans les formes anciennes. On trouve un exemple remarquable de ce phénomène dans la fugue, qui prend pour thème un chant traditionnel russe de veine lyrique. Pourtant, le développement de ce thème initial est extrêmement original et la texture polyphonique, quelle que soit sa complexité, fournit une sonorité claire, presque transparente. Cette fugue est un superbe exemple de la relation entre des concepts émotionnels et des principes structurels et elle démontre comment les éléments du discours vivant peuvent être infusés dans une polyphonie pure. Prokofiev avait beaucoup apprécié, à l’époque, son originalité intrinsèque. L’impétueux scherzo déborde de vie; l’intermezzo est imbu d’une qualité poétique exquise et d’une mélodie riche, fluide et prodigieuse; le finale, avec sa ligne gracieuse et ses détails fantaisistes, est un pur miracle de lumière et d’espace. Ce finale fait en outre ressortir à son avantage la simplicité de la structure harmonique générale.
    Le Quintette fut donné en première audition par Chostakovitch et les membres du Quatuor Beethoven le 23 novembre 1940,  dans la petite salle du Conservatoire de Moscou. Désormais, les “Beethoven” devinrent des amis de Chostakovitch, qui leur confia toutes les créations de ses quatuors, à l’exception du dernier, le violoncelliste Sergueï Chirinsky disparaissant quelques semaines avant sa création, en 1974.


  • Concert croisé à l'Air de Rien... les jeunes ont du talent.

    Chers amis mélomanes,

    Poursuivant la tradition et par volonté aussi, nous continuons de faire participer les jeunes talents aux concerts professionnels. Dans le cadre du Festival l'Air de Rien du Conservatoire de Lille, le dimanche 24 mars à 11h à l'Auditorium, vous pourrez assister à un concert inédit.

    lisez le programme détaillé ci-dessous, venez saluer la jeunesse

    Rendez-vous place du concert, entrée libre, pas de réservations pour ce spectacle.

    Attention ! le concert du 28 avril aura lieu à 11h et non pas 16h, comme annoncé initialement.

    Ambre Chapart

     

    Franz Schubert     Quatuor pour flûte, guitare, alto et violoncelle, D.96
    Hélène Cornu  flûte   Samuel Jubert  guitare
    Paul Mayes  alto   Caroline Leclercq  violoncelle

    Bohuslav Martinu  Mazurka-Nocturne pour hautbois, deux violons et violoncelle, H.325
    Claire Gueyraud  hautbois   Pauline Dubois  violon
    Léa Nour  violon   Catherine Martin  violoncelle

    Ernest Moeran      Fantasy Quartet pour hautbois et cordes
    Perrine Pennel  hautbois   Ken Sugita  violon
    Joséphine Kirch  alto   Alice Mazen  violoncelle

    Heinrich Hofmann  Sérénade pour flute, quatuor à cordes et contrebasse
    Nina Pollet  flûte   Ken Sugita  violon  
    Edouard Jacques  violon   Paul Mayes  alto 
    Catherine Martin  violoncelle   Rémi Vermeulen  contrebasse

     

    Schubert.jpg Le très charmant Quatuor à cordes avec guitare obligée (D. 96) de Franz Schubert, intitulé aussi bien “Trio pour un quatuor avec guitare”, constitue l’arrangement d’un Notturno pour flûte, violon et guitare du compositeur Wenzel Matiegka (1773-1830), dédié, dès 1807, au comte Esterhazy (qui employa plus tard Schubert comme maître de musique pour ses filles). L’arrangement de Schubert, de février 1814, fut probablement écrit à usage domestique. Seul le second trio du Menuet, en sol majeur, peut être considéré comme de sa main. En dépit d’une paternité partagée, la contribution de Schubert à cett e œuvre révèle un talent déjà considérable, au moins dans l’écriture du violoncelle.



    Né à Policka en Bohême, où son père est sonneur de cloches, Bohuslav Martinu suit des cours de violon, puis est admis dans la classe de violon, au Conservatoire de Prague, de laquelle il se fait Martinu.jpgrenvoyer au bout de deux années. Il s’inscrit alors dans la classe  d’orgue d’où il est également renvoyé, alors qu’il produit ses premières compositions. En 1920 il entre comme second violon au tout nouvel orchestre philharmonique tchèque. Il y fait la rencontre du chef d’orchestre Václav Talich et du violoniste Josef Suk. En 1923 il obtient une bourse pour étudier à Paris, et il s’y installe définitivement. Albert Roussel prend la direction de ses études musicales. Au cours des années 1930, le succès est au rendez-vous, particulièrement avec son premier opéra Juliette ou la Clé des Songes, créée à Prague en 1938 sous la direction de Václav Talich.
    Les nazis décrètent ses œuvres dégénérées et les interdisent là où ils ont pris le pouvoir. À leur arrivée à Paris, en 1940, Martinu se réfugie en zone libre, à Aix-en-Provence, laissant ses partitions à Paris, puis il émigre aux États-Unis en mars 1941. Au début des années 1950, il pense revenir en Tchécoslovaquie, mais s’installe dans le sud de la France et en Suisse. Il laisse un imposant catalogue de plus de 380 œuvres.
    “Martinu est allé son chemin tout droit, il est resté lui-même, sans se soucier des discussions esthétiques...il a écrit une musique d’une superbe élévation spirituelle, mais il avait le courage de s’exprimer dans un idiome sonore simple, direct, accessible, où la recherche du particulier savait toujours se subordonner à la grandeur de la ligne générale.” (Marcel Mihalovici)
    Mazurka-Nocturne fut écrite pour la célébration du centenaire de la mort de Chopin par l’UNESCO en 1949.

    Ernest Moeran.jpg Ernest John Moeran appartient à cette génération de compositeurs qui firent les beaux jours de la musique anglaise au cours de la première moitié du XXe siècle. Fils d’un pasteur d’origine irlandaise, il étudia d’abord à Uppingham School et c’est par le violon qu’il découvrit la musique. Remarquablement doué, il fut très tôt membre d’un quatuor à cordes et en 1913 le jeune musicien fit son entrée au Royal College of Music. Mais la guerre vint rapidement interrompre ses études et il fut très sérieusement blessé au crâne par un éclat d’obus : sa santé et son équilibre nerveux en souffrirent jusqu’à la fin de sa vie.
    Au terme du premier conflit mondial, Moeran enseigna la musique pendant une courte période à Uppingham avant de se remettre à étudier sous la conduite de John lreland. Ce dernier, au même titre que Frederick Delius, devait exercer une influence considérable sur l’esthétique de son jeune collègue, par ailleurs très intéressé par la musique folklorique.
    Bientôt Moeran commença à faire entendre ses premieres compositions, non sans succès parfois, comme l’attestent les nombreuses exécutions dont bénéficia sa Rhapsodie n°1 pour orchestre en fa majeur de1922. D’autres partitions orchestrales suivirent: la Rhapsodie n° 2, Lonely Waters et la Symphonie en sol mineur, cependant, c’est sans doute dans le domaine de la musique de chambre que le compositeur britannique à donné le meilleur de lui même.
    Le Fantasy-Quartet pour hautbois et cordes fut écrit en 1946 dans le Norfolk et reflète le plaisir qu’il éprouvait dans les paysages de sa jeunesse : certains discernent même des évocations de mélodies locales dans la partition. De plus, il a été suggéré que les rythmes vers la fin du morceau évoquent les trains à vapeur qu’il adorait tant.

    Heinrich Hofmann est né à Berlin et étudia au Neue Akademie der Tonkunst avec Theodor Kulak et Siegfried Dehn. Il débuta sa carrière musicale comme pianiste et professeur mais à la fin des années 1860 ses opéras et œuvres chorales commencaient à rencontrer du succès et pendant les deux Heinrich Hoffman.jpgdécennies suivantes il devint un des compositeurs le plus joué en Allemagne et à travers l’Europe. Cependant, malgré les éloges de certains critiques, tel Hermann Mendel, d’autres (y compris Eduard Hanslick, le grand défenseur de Brahms) le décriaient pour son “éclectisme à la mode”. Il est vrai que sa musique n’est pas d’une grande originalité mais ses œuvres montrent malgré tout une très grande maîtrise de conception et d’écriture. Sa musique de chambre est particulièrement réussie, et la Sérénade pour flûte et cordes  révèle une grande sensibilité pour la mélodie et la beauté de l’harmonie.