Aimez-vous l'alto ?

Dimanche 22 novembre à 11h à l'auditorium du Conservatoire de Lille, ne manquez pas les deux superbes et célèbres quintettes à cordes de Mozart et Brahms.

vous pouvez réserver par mail (de préférence) [e-mail] ou par tél. [phone]

venez nombreux et comme à l'accoutumée nous échangerons nos impressions et boirons le verre de l'amitié avec les musiciens à la sortie

Ambre Chapart

Wolfgang Amadeus MOZART, Quintette à cordes no 2 en ut majeur, K.515

 

 

 

 

 

Johannes BRAHMS, Quintette à cordes no 2 en sol majeur, op.111

 

 

 

 

Thierry Koehl violon,  Delphine Der Avedisyan violon,  Philippe Loisemant alto,  David Corselle alto,  Sophie Broïon violoncelle

 

lisez et profitez de la présentation détaillée par Paul Mayes :

La raison qui poussa Mozart, en ce printemps de 1787, quatorze ans apres son premier essai dans le domaine, à se tourner de nouveau vers le quintette a cordes reste incertaine. Peut-être cela a-t-il tenu au fait, comme le suggère Alfred Einstein, que le nouveau Roi de Prusse, Friedrich Wilhelm II, jouait du violoncelle (tout comme son prédécesseur, Frederic le Grand, avait été, on le sait, un insatiable flûtiste) et qu’il avait nomme Boccherini compositeur de sa chambre. Il se peut que Mozart ait alors voulu attirer l’attention du Roi dans un domaine propre à Boccherini, mais en faisant appel à deux violons, deux altos et seulement un violoncelle - alors que les quelque cent quintettes de Boccherini réclament un seul alto, mais deux violoncelles - plaçant ainsi le souverain dans la position de soutien unique de la basse. Il se peut aussi qu’il ait souhaité, après avoir composé vingt-trois quatuors à cordes à intervalle assez regulier depuis 1770, explorer les sonorités plus riches de cette forme mains familiere. Il composa deux quintettes (K.515 en Ut et 516 en sol mineur) en avril et mai 1787 : le premier, son œuvre instrumentale la plus longue, est en quatre mouvements et probablement sa plus grande œuvre de musique de chambre ; le second est l’un des plus véhéments et des plus passionnés. Il eut peut-être l’intention de constituer un recueil qu’il aurait alors dédié au Roi, mais des soucis financiers au debut de 1788 l’obligèrent à les vendre par souscription, accompagnés d’un troisième quintette (K.406/516b, en ut mineur), arrangement de la Sérénade pour octuor a vent K.388/384a, datant de 1782-83 et ajouté pour faire bonne mesure.

Les quintettes en ut majeur et sol mineur offrent de nombreux parallèles avec les deux dernières symphonies de Mozart, N° 40 en sol mineur, K.550, et N° 41 en ut, K.551 (de 1788). Le premier thème, tres développé, du K.515 (daté du 19 avril 1787) fait l’objet d’un traitement étiré à la manière qui sera celle de Schubert, tandis que le second, motif ondulant sur une pédale de sol, n’apparaît qu’au bout de quatre-vingts mesures. Au cours du developpement, un autre motif légèrement indécis de la fin de l’exposition, réminiscence du début de l’Ouverture des Noces de Figaro, vient se mêler aux propos de ces deux thèmes. Le Menuet avec Trio (ce dernier en fa, mais pour autant dans cette tonalité) est précédé d’un Andante d’une suprême éloquence (également en fa), dans lequel on pourrait voir un pendant pour la musique de chambre au mouvement lent de la Sinfonia Concertante en mi bemol pour violon et alto K.364/320d (de 1779), et qui nous rappelle que l’alto était l’instrument que Mozart aimait le plus tenir dans un ensemble de musique de chambre. Le Finale est un gigantesque rondo de forme sonate, complexe et plein d'assurance, grandiose conclusion d'une œuvre toute de noblesse.  

La musique de chambre tient une place centrale dans la production de Brahms : vingt-deux œuvres au total, du duo au sextuor, dont la composition s’échelonne sur quarante ans. Ecrites souvent par deux, Brahms, qui n’abordait chaque genre qu’une fois sur d’en maîtriser tous les paramètres, apporta à ces partitions un soin tout particulier. Certaines de ces pages nacquirent au terme de véritables combats, surtout celles pour cordes seules, où Brahms ne pouvait s’asseoir sur sa maîtrise du piano. Si les deux sextuors profitèrent d’une fougue juvénile et virent le jour relativement rapidement, le projet d’un quatuor à cordes tarauda Brahms durant vingt ans - sur ce genre pesait, il est vrai, l’intimidant modèle beethovenien - et ce n’est qu’en 1873 qu’il vint à bout des deux partitions op.51. Les quintettes à cordes nacquirent la décennie suivante, chacun lors de séjours à Ischl, station mondaine du Salzkammergut ou Brahms aimait se reposer des fatigantes tournées hivernales.
Un premier essai de quintette à cordes avait échoué en 1862. Clara, la veuve de Robert Schumann, estimait que les cordes ne suffisaient pas à rendre la puissance de son écriture, plus adaptée selon e1le au piano. Brahms tint compte de ce jugement: s’il déchira le manuscrit, il en reprit les idées principales deux ans plus tard dans deux œuvres jumelles, la Sonate pour deux pianos op.34b et le Quintette avec piano op.34. Pour l’œuvre abandonnée, il s’en était tenu à l’effectif favori de Boccherini, adopté aussi par Schubert : deux violons, un alto et deux violoncelles. En 1882, il doubla au contraire l’alto, instrument dont il affectionnait les sonorités moirées et ambiguës. Cette formation honorée par Mozart renforce par ailleurs le médium, tessiture mise à l’honneur dans les œuvres contemporaines, en particulier dans les Troisième (1883) et Quatrième Symphonies (1884-1885).
Avec la maturité, Brahms cherchait, sinon à brider, du moins à canaliser la fougue des premières années par un souci permanent de la structure. Dans les quintettes à cordes, cependant, les principes poussés ailleurs au plus haut degré restent effleurés. Toute admirable que soit la science harmonique et contrapuntique que Brahms y deploie, les quintettes retrouvent la fluidité et la luxuriance des sextuors de jeunesse, dans une atmosphere joyeuse redevable au charme des montagnes autrichiennes.

Si le Quintette en sol majeur nacquit dans les beaux jours de 1890, l’idee en remonte au mois de janvier : le violoniste Joachim avait alors reclamé un pendant à l’opus 88, écrit au printemps 1882, qu’il aimait tant. Brahms mentionna l’existence de son nouveau quintette dès le 4 juillet.
Le 11 novembre, à Vienne, la création par le Quatuor Rosé remporta un franc succès, et le sévère critique Hanslick admira la concision et l’architecture si ordonnée, en même temps que la vitalité prodigieuse du morceau. Il compara la maturité stylistique de Brahms à celle de Beethoven, tout en faisant remarquer que le tempérament de ce dernier alla en s’assombrissant tandis que Brahms, avec l’âge, cheminait vers la sérenité.
Au lendemain de la création berlinoise, le 10 décembre, Brahms envoya une ultime correction à Simrock, accompagnée de ce mot : “Avec cette note, vous pouvez prendre congé de ma musique, car il est largement temps que je m’arrête.” Une promesse qu’heureusement il ne tint pas longtemps, réservant encore à ses admirateurs quelques merveilles pour le piano et ses quatre œuvres avec clarinette.
Plus héroïque et sévère que le précédent, le Quintette op.111 n’en est pas moins une œuvre heureuse. Les cinq cordes atteignent souvent une dimension quasi symphonique, et le thème initial du violoncelle, qui s’impose à peine sous le bloc des autres instruments, donna du fil à retordre aux premiers exécutants. L’Adagio à variations et la valse triste qui le suit infléchissent l’œuvre vers des demi-teintes que balaye le virevoltant finale. Le mot de la fin est hongrois, puisque la coda résonne des accents d’une csardas.

 

 

 

Haydn et ses héritiers le dimanche 8 novembre

Chers amis,

au programme, la poursuite de la découverte des compositrices (voir le programme détaillé ci dessous)

ce dimanche Mélanie Bonis, une petite française bien méconnue du grand public, à cheval sur les XIXe et XXe siècle, qui a dû affronter les difficultés d'une femme engagée. Venez donc découvrir et admirer sa musique de chambre.

et aussi Haydn et Schumann

Auditorium du Conservatoire de Lille, place du concert, concert à 11h,

durée 1h15 sans entracte, tarifs 9 et 6€, forfaits 6 concerts 45€

pour réserver : par mail de préférence [e-mail] ou tel [phone]

comme à l'accoutumée, le verre de l'amitié et un échange avec les musiciens est proposé à la sortie du concert

vivement dimanche !

notez aussi les prochains rendez-vous

le 22 novembre au Conservatoire : aimez-vous l'alto? avec les célèbres quintettes de Mozart et Brahms

le 6 décembre après-midi au Palais des Beaux-Arts, "divines longueurs" Schubert et Bruckner en quatuor et quintettes à cordes

Ambre Chapart

 

Joseph HAYDN (1732 – 1809) : Trio no.25 en mi mineur (Hob.XV.12), pour piano et cordes

 

 

 

 

 

Mel BONIS (1858 – 1937)  : Soir, matin, op.76 pour violon, violoncelle et piano

 

 

 

 

 

Robert SCHUMANN (1810 – 1856) : Quatuor en mi bémol majeur, op.47 pour piano et cordes

 

 

 

 

 

Trio Boréade
Anne Secq-Delecroix piano  Yasmine Hammani violon  Clément Vandamme violoncelle
Juliette Danel alto

 

Le programme en détail, préparé par Anne Secq-Delecroix

Joseph HAYDN (1732 – 1809)
Considéré, avec Mozart, comme un grand maître du classicisme musical, Joseph Haydn a traversé trois styles durant sa longue existence : né à la fin de l’époque baroque, il a porté le style classique à son apogée, avant de s’éteindre au tout début du Romantisme.
Il compose ses premières sonates pour clavier dès 1757. Ses oeuvres s'inscrivent dans la période qui voit le passage progressif du clavecin au pianoforte. Au fil des années, elles vont imposer le genre de la sonate allemande, constituée quasi organiquement de deux mouvements rapides encadrant un mouvement lent – à la différence de la sonate italienne, plus ancienne, se composant d'un nombre indéterminé de morceaux placés dans un ordre variable et s'achevant volontiers par un mouvement de danse.
C'est dans le troisième quart du XVIIIème siècle que naît le quatuor à cordes. Bien que ses racines soient multiples, on peut considérer Joseph Haydn comme celui qui en a stabilisé définitivement la forme et donc comme le créateur de ce genre qui allait connaître une immense postérité. De même, on connaît son impressionnant catalogue de symphonies (plus d’une centaine), qui lui a valu le surnom de « Père de la symphonie ». Sa contribution au genre du trio pour piano et cordes est sans doute moins connue : il en a écrit pas moins de quarante-cinq, selon la dernière édition de H.C. Robbins Landon en 1968.
En 1781, il se lie d'amitié avec Mozart. Ils exercent l'un sur l'autre une influence musicale indéniable. En revanche, les relations avec Beethoven, qui devient l’élève de Haydn en 1792, sont  beaucoup plus difficiles. Suite à la mort de son frère en 1806, Haydn arrête la composition et meurt à Vienne le 31 mai 1809.
Achevé à la fin de 1788 ou au début de 1789, le Trio n° 25, Hoboken XV:12, en mi mineur, fait partie des 13 Trios de la maturité. Le genre du trio avec clavier était alors en forte expansion à Vienne : les éditeurs et amateurs de musique désiraient entendre le pianoforte, nouvel instrument venant concurrencer très sérieusement le clavecin. L’écriture de Haydn tend d’ailleurs à privilégier particulièrement le piano ; si le violon dialogue volontiers avec ce dernier, le violoncelle doit en revanche se contenter, la plupart du temps, d’une écriture en doublure de la main gauche du clavier. Cela n’enlève rien à la qualité intrinsèque du trio, qui montre toute l’audace du compositeur dans ses conceptions formelles et tonales.
1- Allegro moderato
Ce premier mouvement, de forme sonate, exploite le caractère dramatique et intense de la tonalité de Mi mineur. Il rappelle à cet égard la Sonate pour piano et violon KV304 de Mozart, écrite dans la même tonalité quelques mois auparavant. Le premier thème se prête volontiers à l’imitation contrapuntique - dont Haydn se servira dans le développement – tandis que le deuxième thème instaure un aimable dialogue, en Sol majeur, entre le piano et le violon. L’épisode conclusif, très vigoureux, sera largement repris et développé dans la vaste réexposition.
2- Andante
Egalement de forme sonate, mais sans reprises cette fois, le poétique mouvement lent s’ouvre sur un thème chantant au piano, accompagné des pizzicati des cordes. Les nombreuses ornementations, ainsi que la multiplication des points d’orgue, confèrent parfois à ce mouvement un caractère d’improvisation, le tout dans la lumineuse tonalité de Mi majeur.
3- Rondo : presto
Tout en virtuosité et en légèreté, ce rondo final en Mi Majeur exploite le rythme récurrent du dactyle, sorte de galop perpétuel. Le refrain, varié par moments, est entrecoupé d’épisodes plus dramatiques, en mineur, qui laissent là encore la part belle à l’écriture en imitations.

Mel BONIS (1858 – 1937)
« Je voudrais pouvoir décrire l’état d’âme à la fois si angoissant, torturant et délicieux, où me plonge la musique – celle que j’aime -. Je devrais pouvoir le faire, j’ai tant éprouvé cette sensation aiguë jusqu’à la douleur, même tout enfant (je pourrais dire, surtout étant enfant). C’était alors comme une agonie d’aspirations vers le bonheur, une tension de tout l’être sensible, cordial, vers une chose qui nous sourit et se dérobe à la fois. »
Parcours émouvant que celui de Mélanie Hélène (dite « Mel ») Bonis, née à Paris d’un père horloger et d’une mère passementière.
Parcours d’artiste, d’abord, qui affronte les préjugés hostiles de sa classe à l’égard de la vie de musicienne. Elle est présentée à César Franck en 1876 au Conservatoire de Paris, et sera vite remarquée comme une « excellente élève, la plus forte de sa classe, mais [que] la peur paralyse » (A. Bazille, son professeur d’accompagnement). Elle devient la condisciple de Debussy dans la classe d’harmonie d’E. Guiraud, suit des cours d’orgue, de contrepoint et d’accompagnement.
Parcours de femme, ensuite, contrariée dans ses amours avec un chanteur et poète du nom de Hettich, rencontré au Conservatoire de Paris : la famille de Mel s’oppose à cette union, la contraint d’abandonner ses études au Conservatoire, et la marie avec un industriel, Albert Domange, deux fois veuf et indifférent à la musique. Elle aura 3 enfants de ce mariage, et une fille cachée avec Hettich en 1899.
Sa production est aussi riche que variée : pièces pour piano (dont quelques unes orchestrées), orgue, harmonium, œuvres vocales (mélodies, chœurs, motets et cantiques), témoignent d’une liberté formelle et d’une invention harmonique remarquables.
Sa contribution à la musique de chambre est importante : 10 œuvres, dont 2 Quatuors avec piano (1905/1927), des sonates et des œuvres pour flûte, violon, violoncelle et piano.
Parmi elles, on trouve le diptyque « Soir, Matin », composé en 1907, pour piano, violon et violoncelle.
« Soir » : Andante cantabile, en ré Majeur
Cette œuvre brève, d’inspiration postromantique, entre Franck et Fauré, est construite sur deux thèmes principaux qui se succèdent : le premier, lyrique et serein, est exposé au violoncelle, rapidement imité au violon, sur un accompagnement fluide du piano. Le second, plus fiévreux, tout en syncopes, s’échange entre le piano et le violoncelle, tandis que le violon égrène un contre-chant dans l’aigu. Les deux thèmes sont repris dans une présentation variée, et la pièce s’achève dans un murmure de doubles-croches et la douceur du Ré Majeur.
« Matin » : Andantino, en ré bémol Majeur
Changement de couleur, un demi-ton en dessous, dans cette pièce tout en demi-teintes, d’esthétique plus impressionniste, et même pointilliste par endroits. L’harmonie, très subtile, avec ses nombreux chromatismes venant « brouiller » les sonorités, prédomine sur la mélodie. Des vagues sonores se déploient, teintées de nostalgie parfois. A partir d’une courte forme ternaire ABA’, Mel Bonis ajoute pour finir un épisode de pluie, symbolisée par les pizzicati du violoncelle et les notes staccato du piano, accompagnant le thème chantant du violon dans l’aigu. La coda, toujours marquée par les chromatismes, réinstalle le calme initial du matin.

Robert SCHUMANN (1810 – 1856)
Né en Allemagne d’un père libraire et d’une mère musicienne, Robert Schumann, dès son enfance, est attiré tant par la musique que par la poésie. Contraint par sa mère de poursuivre des études de droit, il décide cependant, en 1830, de prendre des cours de piano chez le grand professeur Friedrich Wieck. Ayant abandonné son ambition de devenir pianiste virtuose – suite à la paralysie de l’un de ses doigts – il se tourne vers la composition et la critique musicale.
En 1840, il épouse Clara Wieck, pianiste virtuose, sa muse, sa première interprète et son admiratrice. La production de Schumann, avant son mariage, est exclusivement consacrée au piano, son instrument de prédilection.
1840, l’année du mariage si durement obtenu, voit fleurir une profusion de Lieder  pour voix et piano. L’année suivante, il s’essaie au domaine de la symphonie.
1842 est l’année de la musique de chambre: verront le jour 7 oeuvres essentielles, dont les 3 Quatuors à cordes, le Quintette avec piano opus 44, et le Quatuor avec piano opus 47.
La fin de sa vie sera particulièrement tragique : dès 1854, ses accès de démence et de désespoir l'amènent à démissionner de son poste de chef d’orchestre à Düsseldorf. Après une tentative de suicide par noyade, il est interné près de Bonn où il meurt à l’âge de 46 ans.
Schumann donnait lui-même une double définition de son génie créateur : “Ma personnalité vivace, dynamique, joyeuse, c’est Florestan... Eusébius représente mon aspect rêveur, nostalgique.” Comme le Quintette, ce Quatuor est en Mi bémol Majeur. Tonalité symbolique s’il en est, puisque c’est celle de la Symphonie héroïque de Beethoven, que Schumann admirait profondément. C’est donc Florestan qui prend assurément le dessus dans ce Quatuor, même si Eusébius fait ça et là quelques apparitions.
1- Sostenuto assai, Allegro ma non troppo
L’introduction lente du 1er mouvement installe un climat poétique, méditatif et plein d’interrogations. Le thème annoncé se métamorphose dans l’allegro qui suit : c’est le piano qui mène le jeu, dans un caractère enjoué et énergique. Le passage du début reviendra un peu plus tard interrompre le discours, avant un développement marqué par le procédé du canon entre les différents instruments. Schumann, qui tout comme Mendelssohn, aimait la musique de Jean-Sébastien Bach, parvient dans ce 1er mouvement à glisser discrètement quelques notes d’un choral de son illustre prédécesseur.
2- Scherzo: molto vivace
Dans le thème principal énoncé à l’unisson par le violoncelle et le piano, rejoints ensuite par le violon et l’alto, le monde des elfes n’est pas loin : c’est une ronde de lutins traitée en mouvement perpétuel de croches, auquel le procédé du canon vient parfois donner une allure de course-poursuite.
3- Andante cantabile
Dans le 3e mouvement, Eusébius le poète fait une apparition durable. Le thème sublime du violoncelle est justement célèbre, repris à tour de rôle par le violon, le piano et l’alto. On retrouve l’art mélodique incomparable du Schumann des Lieder.
4- Vivace
Pour conclure, le Vivace final est une brillante démonstration de l’écriture canonique, à la fois savante et échevelée, et véritable obsession de ce Quatuor.

 

 

 

Entente Cordiale

Trio autour d'une compositrice et de la clarinette,

Cette saison Chambre à part met les compositrices à l'honneur. Au XIXe siècle Rebecca Clarke a composé beaucoup de musique de chambre. L'histoire l'a injustement laissée au second plan. Venez constater par vous même et réparer cette injustice.

Au programme également la clarinette avec Max Bruch et Gordon Jacob.

dimanche à 11h à l'auditorium du Conservatoire de Lille, place du concert

Max BRUCH (1838 – 1920)
Huit Pièces, op.83 pour clarinette, violoncelle et piano

 

 

 

 

Gordon JACOB (1895 – 1984)
Miniature Suite pour clarinette et alto

 

 

 

 

Rebecca CLARKE (1886 – 1979)
Trio pour violon, violoncelle et piano

 

 

 

 

Trio Lydéric : Dominique Patteyn  piano,  Paul Mayes  alto et violon,  Elisabeth Kipfer  violoncelle
Sabrina Moulaï  clarinette

 

tarifs 9€ et 6€, forfait 6 concerts 45 €

renseignements et réservations 06 07 62 61 25 ou [e-mail]

rencontre avec les musiciens autour d'un verre amical à la sortie

à dimanche

Ambre Chapart